Mandolin Player Kzo Ishibashi

石橋敬三と楽しむマンドリンの世界

Category: 音楽で生計を立てるために

キャッチコピーには時間をかけたいという話。

今日はキャッチコピーの話をします。

ミュージシャンとして、キャッチコピーの重要性に気づいて早10年、自分につけたコピーの変遷を振り返ってみる記事です。

キャッチコピーのプロではないので、「どう?このキャッチコピー良いでしょ?」なんて事を言う気は全くありません。

どのように考えてコピーを作ったのか、その過程を赤裸々に共有いたしますので、1ミリでも参考になれば嬉しいです。

 

◆「マンドリンの正しい煮詰め方」(2010~2012)

この頃はまだスマートフォンが今ほど普及しておらず、ネット上にマンドリン奏法について体系的にまとめられたサイトが皆無に近かったわけです。

そこで、一通りの弾き方を画像付きで解説するサイトを作りたいと思い、当時のブログに「マンドリンの正しい煮詰め方」というコピーを付けました。

コピーで伝えたかったことは、二つです。

①自分の信じる正しい弾き方を記すこと。
②自分のマンドリン奏法の進化の過程を共有すること。

これらを伝えるため、「正しい」「煮詰める」という2つのワードを選びました。

あえて意味深な構成にすることで、どういう意味なんだろう、と2度見してもらう狙いもありました。

結果はどうだったのか分かりませんが、ちょっと飽きてきたのと、2013年からセルフブランディングに力を入れはじめたこともあり、別のコピーに変更しちゃいました。

ちなみに、このコピーは、今でも奏法解説のページタイトルとして生き残ってます。
https://kzo.me/techniques/

 

◆「たった一本のマンドリンによる小さなオーケストラ。」(2013)

ファーストアルバムを出す時に考えた自身のキャッチコピーです。

この時に打ち出したコンセプトは、「マンドリン独奏で超難しいことやってるけど耳にはスーパーキャッチー」でした。

キャッチーで十分な音の拡がりのあるサウンド。それをあえて非効率な独奏で作り出す、というコンセプトを伝え、アンテナ感度の高めのリスナーの心にグサッと刺したかったわけです。

まぁ、あと1ヶ月考えればもっと良いコピーはあったのかもしれませんが、方向性としては合ってるかな、とは思います。

 

◆「ソロなのにバンド、ソロなのにアンサンブル。」(2013~2014)

次です。

セカンドアルバム「BLUE」を出したタイミングで「ソロなのにバンド、ソロなのにアンサンブル。」に変えましたね。

この頃、ライブではサンプラーを用いて1人アンサンブルをやり始めたので、その方向性に合ったキャッチコピーが必要だと思ったのです。

「なのに」という逆接を使ってみたかった、意外性をワンフレーズの中に閉じ込めたかった、という感じですね。

 

◆「石橋敬三と楽しむマンドリンの世界」(現在)

現在のホームページのキャッチコピーです。

はい、今までのものとは全然方向性ちがいますね。

ある意味「マンドリンの正しい煮詰め方」の方向性に近いかもしれません。

よりコミュニティ感、距離の近さを表現したかった。

でも近いうちこれも変更します。

今後5年の活動方向性がそろそろまとまりそうなので、それに合わせたコピーを考えようと思います。

 

 

まとめ キャッチコピーって大事

今後、キャッチコピーってもっと大事になってくると思うんです。

人間が受け取ることのできる情報は10年で600倍のペースで増えているそうです。

自分の発信した情報が、僕のことを全く知らない人に届くとしたら、「誰だこいつ?」ってなりますよね。

それに対して「どんな人間なのか」を端的に表現しないと、自分のことを認知してもらう機会を失うことになるでしょう。

現代人はもっともっと忙しくなる。

だから自分のことを認知してもらうときも効率が大事になります。

スパッと端的に自分を表現できる武器は一つでも多い方がよい。

そういうお話でした。

 

さて、次のキャッチコピー考えようかな。

理想の楽譜頒布の形を考えた件(1/2)

久しぶりの記事公開です。

先日、楽譜に関するこんなアンケートを実施しました。

Q.  楽譜についての意識調査です。次のABCのどの感覚に近いですか?

結果はなんと、製本派がわずか5%、ダウンロード派が70%!

予想はしていましたが、ダウンロード販売化の波を感じざるを得ません。

ダウンロード派がここまで増えた主な原因は以下だと思います。

①単純にダウンロード購入できる楽譜のラインナップが充実してきた
②ダウンロードのほうがすぐに手に入るから

③世代のアップデート & ダウンロード購入に抵抗を持たない人の増加
④スマホ大型化などにより、ダウンロード楽譜の利便性が向上した
⑤その他、いろいろ便利だから…

 


 

さて、ここから先は、ニーズと実情に対応した「理想の楽譜頒布の形」を考えましょう。

 

まず、楽譜というモノを分解します。

いったい「楽譜」とは何なのか。

辞書ではこう定義されています。

 

【楽譜】
楽曲を一定の約束のもとに記号などによって書き表したもの。五線譜など。(三省堂 大辞林)

 

音符やアーティキュレーションなど、演奏に必要な情報を得るもの、ということですね。

定義によれば「演奏に必要な情報」を得られるのが楽譜の条件のようです。

ですが、皆さんの意見を聞いていると、楽譜にはそれ以外の機能(あるいは役割、ニーズ)もあるようです。

整理すると3つにわけられます。


【人々が楽譜に求める主な機能】

・演奏に必要な情報を得られる
・楽譜というフォーマットのファングッズ
・所有欲を満たす(楽譜のコレクション)

 

次に、それぞれの機能とそれを手に入れるための手段を整理します。

 

『楽譜の機能 と 入手の手段』

◆演奏に必要な情報を得る
 ↳ PC/タブレットで得られる → ダウンロード購入
 ↳ 紙媒体で得たい
   ↳ プリントアウトできる → ダウンロード購入
   ↳ プリントアウトできない → 紙の楽譜を購入

◆楽譜という形式のファングッズ
  ↳ 紙媒体の楽譜を購入する → 製本楽譜を購入

◆楽譜のコレクション
  ↳ データでも満足 → ダウンロード購入
  ↳ データでは満足できない → 製本楽譜を購入

 

 

こうやって見ると、本来の意味での楽譜の機能を果たすには「製本」は不要ということになります。

「演奏に必要な情報」を手に入れるにはダウンロード購入か、あるいはペラペラの紙で十分です。

ファングッズやコレクションの機能(ニーズ)は、ひょっとして楽譜以外の他のもので代用できるのでは….?

 

 

だいぶ文章が長くなってきたので、一旦ここで切りますね。

長文をご覧いただき、誠にありがとうございました!

続きの記事は近いうちに公開します。

Twitterのフォローもよろしくおねがいします。

公開中の楽譜一覧もご覧いただければ幸いです!

自分の意見は常に極端かも

【まえがき】

今表現活動やビジネスにおいて、SNS運用は欠かせません。

ミュージシャンにとってもSNSは、作品発表や公演の宣伝に欠かせないツールとなっています。

YouTubeとSNSなくしては、音楽活動は成り立たない時代です。

一方で、SNS運用が諸刃の剣となる可能性も、常に意識しておかねばなりません。

SNS上では過激で極端な意見が増えています。一方通行で、減ることはありません。

このような中でうまくSNSを活用していくには、「環境認識」と「目的意識」が必要でしょう。

 

【この記事の概要】

◆ ネット上の意見はだいたい極端なものばかり

◆ 自分がネット上で発する意見も極端なものばかり

◆ その意見は本当に「望まれる極端な意見」だろうか

◆ ネット上で意見を言うときは場をわきまえて言ったほうが良い

◆ あるいは「狙って」言う

 

 

環境分析

まずは、自分の周りの様子を眺めてみましょう。

会社の周りの人たち、クラスの友達、サークルの仲間たちを眺めるのと同じ感覚で、自分のフォロー一覧を見てみましょう。

おそらく、自分がフォローしている人たちは、特定のクラスタに偏っているはずです。

例えば、Twitterなどで僕をフォローしてくれている人であれば、他にもマンドリン関係の人をたくさんフォローしている場合が多いと思います。

そんな「No Mandolin, No Life」な貴方は、知らず知らずのうちに、さらなるマンドリンの魅力(あるいは共感)を追い求め、いろんな人をフォローしているわけです。

そうしているうちにマンドリンの沼にはまり、もう抜け出すことはできない、というわけです。

素晴らしいですね。どんどんマンドリンの沼にはまっていただきたいと思います。

 

一方で、これはマンドリン以外のどんな事にも当てはまることなのです。

 

Yahoo!トレンドなどを見ていて、よく政治関連の発言がバズっているのを見ますよね?

そういったツイートのリプ欄を見ていつも思うのです。

「類をもって集まる」とはこのことだな、と。

過激なバズツイートのリプ欄を見ると、ほぼ例外なく、意見が一方向に偏っています。

そして、同時期に反対意見のツイートがバズったりもしますが、そのツイートのリプ欄も意見が偏っています。

みんな思い思いの意見を述べているのですが、違う意見の者同士が交わることはないのです。

 

なぜそうなるのか?

 

人はみな、自分の見たいものを見て、見たくないものには無意識に蓋をする生き物だからです。

 

 

ネット社会では特にその傾向が強いので、自然と意見が極端な方向に進んでいくことも多いです。

自分の中での普通の意見は、他人から見ると極端な意見かもしれない。

それを認識しておくことで、SNSでの不慮の事故も少しは防げるのではないでしょうか?

 

 

目的意識

極端な意見を持つこと自体は悪いことではないと思います。自分が選んだ道ですので。

ですが、SNSにおいては、「求められる極端な意見」と「求められない極端な意見」があることを忘れてはいけません。

だって、基本的には、みんな自分が見たいものしか見たくありませんから。

 

例えば、貴方がミュージシャンとして尊敬する人をフォローしたとします。

それは、その人のミュージシャンとしての活動や考え方を知りたいからですね。

ですが、そのミュージシャンがいきなり、音楽とは一切関係のない、自分が絶対に相いれない意見を発信したとしましょう。

その時、貴方はどう思うでしょう?

 

それはそれ、これはこれ、としてそういった発言を見ないようにしてフォローし続けますか?

それとも、幻滅してフォローを解除しますか? ファンをやめますか?

 

SNS上で何も考えずに発した一言が、裏切りと捉えられることもあるということです。

 

だからですね、音楽と関係のない分野の意見を言うときは、「本当にここが適した場所なのか?」を考える必要があります。

だって、その意見は「求められていない極端な意見」である可能性があるから。

 

どうしても言いたいのであれば、そのリスクをわきまえた上で、きっちりと目的意識をもち、効果を狙って言うべきです。

それができないのであれば、別アカウントで発信したほうが良いでしょうね。。。

 

SNS運営の目的が「ミュージシャンとしての活動を発信すること」であれば、そこから逸脱したことを発信する場合は気を付けましょう、という話でした。

 

自戒をこめて。

 

 

【あとがき】

この記事の概要を再掲。

◆ ネット上の意見はだいたい極端なものばかり

◆ 自分がネット上で発する意見も極端なものばかり

◆ その意見は本当に「望まれる極端な意見」だろうか

◆ ネット上で意見を言うときは場をわきまえて言ったほうが良い

◆ あるいは「狙って」言う

 

ポイントは、自分のフォロワー、あるいはフォロワーになってほしい人達に、嫌悪感を与える可能性がないか、です。

犬や猫など、嫌悪感を与えないものであれば、まったく問題がないどころか、世を平和にすることに役立つでしょう。

自分の推しキャラを発信していても全然問題ないと思いますよ。(hydeとか…)

 

音楽家へ依頼の際のガイドライン

この項目は、依頼者様と音楽家が気持ちよく取引するためのガイドラインです。

今回は特に、料金に焦点を当てています。

 

私は依頼者様と音楽家は対等であるべきだと思っています。

 

ですが、どうも世の中にはスムーズとは言い難い交渉や契約が多いように思います。

 

原因はどうも双方にあるようです。

 

音楽家がどのように仕事をしているのか想像できない依頼者を責める声を多くききます。

しかし、それと同様に、自分の仕事の仕組みをわかりやすく説明できない音楽家の責任も大きいと感じます。

 

そこで、このガイドラインを書きました。

 

交渉・契約が少しでもスムーズになれば幸いです。

また、本ガイドラインに改善の提案をいただける場合は、お気軽にご連絡ください。

 


音楽家へ依頼の際のガイドライン

音楽家に支払われるべき料金は、基本的には『報酬+必要経費』です。

この二つをきっちりと分けて考えることが大事です。混同してはいけません。

まずは報酬について整理します。

 

A. 報酬について

報酬は、演奏や作曲に対する対価です。

ではその金額はどのくらいが適当なのでしょうか?

考え方のカギは二つです。それは『時給計算』と『付加価値』です。

 

~時給計算による報酬~

まずは時給です。

お仕事ですから時給や最低賃金の考え方は必要です。

ちなみに、全国の最低賃金はこちらで確認できます。

もちろん、最低賃金で考える必要はありません。

双方が妥当と考えるラインの時給を想定すれば良いでしょう。

ところで、一つの仕事に対して、どれくらいの労働時間が発生しているのでしょうか?

労働時間の例を下に示します。

 

【演奏の場合の労働時間】
・本番の演奏時間
・当日およびリハーサルの待機時間間 
・当日以外のリハーサル、打ち合わせに必要な時間
・長距離移動の場合、移動にかかる時間 
・演奏曲の練習時間(特に曲指定のある場合)

【作曲の場合の労働時間】
・全体構成の検討時間
・作曲に要する時間
・楽譜浄書に要する時間(楽譜が必要な場合のみ)
・デモ音源制作時間(デモ音源が必要な場合のみ)

 

以上の労働時間が発生します。

思っていたよりも多かったでしょうか?

意外にも依頼者だけでなく、音楽家もこれら全てを労働時間だと考えていない方が多いようです。

しかし、上記をきちんと労働時間と捉えておかないと、健全ではありませんし、仕事が長続きしません。

ちなみに、それぞれの項目に何時間(何日間)必要なのかは、案件によって異なるのでここでは控えます。

まずは上記の考え方で、労働時間に見合った最低限の報酬は支払われるべきです。

 

 

~付加価値評価による報酬

大げさなタイトルですが、要するにボーナスです。

時給計算では評価しきれない業績に対する報酬です。

『時給計算による報酬』以外にも、以下の付加価値に応じた報酬が支払われるべきでしょう。

 

【演奏の場合の付加価値】
・本番演奏
・演奏企画 (プログラム構成など) 
・その他、依頼者の期待以上の事柄 

【作曲の場合の付加価値】
・作品の品質
・仕様の指定による付加価値
・その他、依頼者の期待以上の事柄 

 

以上が付加価値として評価する対象です。

演奏家の場合、本番演奏は極端な集中力が要求されます。

そのため、通常の時給計算のみで収めることには無理があります。

演奏品質の良さ(またはその期待)と併せ、付加価値として評価すべきです。

作曲の場合、作品の品質以外にも、依頼時の特殊仕様指定により付加価値が発生することもあります。

また、演奏、作曲に限らず、その人物自体にネームバリューがある場合は、それも付加価値として評価されます。

 

 

 

B. 必要経費について

報酬以外にも必要経費の支払も必要です。

交通費が一番想像しやすいかもしれませんが、案件に応じて多種多様な経費が発生します。

以下に例を示します。

 

【必要経費の例】※演奏の場合
・往復交通費(当日、リハーサル、打ち合わせ) 
・楽譜等購入費(曲の指定があった場合)
・弦など消耗品の交換代 
・楽器等運搬、輸送にかかる費用
・リハーサル会場費
・その他、案件毎に必要な経費

 

これら経費は、演奏者が立て替え支払をすることがほとんどです。

支払がないと、演奏者がそのまま負担することになってしまいます。

細かい部分まですべて列挙して計算する必要はないかもしれません。

しかし、一つの案件にどれくらいの経費がかかっているのか、演奏者・依頼者ともに認識しておく必要があります。

 

 


 

以上となります。

繰り返しになりますが、音楽家には『報酬+必要経費』が支払われるべきです。

音楽家も依頼者も、この二つをきっちりと分けて考えることが大事です。

 

と、ここまで書いておきながらですが、私自身、このガイドラインを無視して仕事を受けることもあります。

実際に、5年ほど前の記事にも「時には無償で受けることもある」と書いています。

作曲についても、実質無料で受けたこともあります。(『作曲委嘱無料』は実現できるのか?

 

ですが、基本は飽くまでここに書いたガイドラインにあり、無償などの事例は例外として扱うべきでしょう。

 

音楽家と依頼者の皆様の双方が気持ちよく、交渉・取引できることを祈っております。

 

 

事務所に入らずに音楽で生計を立てるためにすべきこと(3)

過去の記事:

事務所に入らずに音楽で生計を立てるためにすべきこと(1)

事務所に入らずに音楽で生計を立てるためにすべきこと(2)

 

 

今、パソコンのキーを打ちながら僕は考えています。

この記事を読んでくれるのはどんな人なんだろうか・・・、と。

 

おそらく「今すぐにでもプロになりたい」という方は少数で「チャンスがあれば(機が熟せば)プロになってみたい」という方のほうが多いのではないでしょうか。

(もちろん、プロなんてなる気はサラサラない、という方も多いとは思いますが・・・。)

 

プロとチャンスと実力と・・・

僕もかつては「チャンスがあれば・・・」と考えていました。

さらに言うと「いつか実力が伴うようになれば!」とも思っていました。

でも、散々チャンスを待って待って待ち尽くしたある時、思ったんです。

 

『チャンスってなんだ?』

『実力が伴ったら・・・とはいうがゴールはどこなのか?』

 

チャンスはいつ来るのか?

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チャンスは待ってるだけでは、まず来ません。

僕の場合は、プロを目指した学生の頃、コンクールで入賞することを目標にしてきました。

入賞すればなんとか道がひらけると思ったからです。

でも何度入賞しても、プロの道は現実になりませんでした。

チャンスが来なかったわけではありません。

僕自身、入賞した後の具体的なプランが全く無かったからです。

 

チャンスは、行動しようとしている人の元に来るのです。

行動しない人にチャンスは来ません。

 

実力がないから何もしない?

また、「プロになるには実力がないから・・・」というのも言い訳です。

行動しない自分を正当化しているだけなのです。

 

プロになるためには、演奏の実力を高める以外にも色んな準備が必要です。

それでは、その準備はいつから始めるのでしょう?

 

実力が伴った(と自分が判断できた)段階から始めるのでしょうか?

 

それでは、時間がもったいないです。

人生は1度きりです。

プロになる準備は、今すぐに始めるべきです。

 

 

そこで、演奏技術以外に持っていると便利なスキルをまとめてみました。

(飽くまで、僕のノウハウに準拠したものですので、このスキルがないとプロになれないというものではありません。)

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独立系ミュージシャンに必要なスキル例

① web検索

  条件検索などを使いこなせると市場分析に役立ちます。

② ワード、エクセル

  納品書・請求書作成、経理等で必要になってきます。

③ サイト構築・運営

  公式サイトの作成、運営が必要です。Wordpressがとっつきやすいでしょう。

④ アクセス解析

  Google Analyticsでアクセス解析して、潜在的な顧客を分析します。

⑤ 音源編集

  録音した音源を編集できると便利です。スピーディに音源配信ができます。

⑥ 動画編集

  プロモーションにYouTubeは必須です。動画を頻繁にアップできるようにしましょう。

⑦ 楽譜浄書ソフト

  作曲・編曲する場合は、作品の頒布も視野に入れ、Finaleなどの楽譜浄書ソフトに親しんでおきましょう。

⑧ デザイン

  イラストレーターなどが使えると、フライヤーなども自分でスムースに作れます。

 

以上は、独立型ミュージシャンとして、演奏技術以外に必要な能力です。

僕はこれらの事が必要だと思ったので、基本的に全てについて、自力で戦える能力を身につけました。

ですが、この世の中には外注という便利なシステムがあります。

 

もし周りに有償・無償問わず協力してくれる人がいるなら、それも「持っている能力」としてカウントしても良いでしょう。

僕みたいに完全単独でなく、グループで取り組むのも良いアイデアだと思いますし、部分的に外注するか、事務所のようなところに頼るのも悪くはないと思います。

 

今から準備を!

さぁ、もうおわかりですね。

実力が伴わないから何もしない、なんてもったいない!

大事なのはスタートを切るかどうかです。

あなたがもしプロになりたいのであれば、今から準備をするべきなのです。

 

 

事務所に入らずに音楽で生計を立てるためにすべきこと(2)

前回:事務所に入らずに音楽で生計を立てるためにすべきこと(1)

 

さて、今回からは具体的に何をすれば良いのかを見ていきましょう。

 

まずは考える、想像する。

 

『どういう音楽をどこに届けたいのか』を可能な限り具体的に想像しましょう。

 

どんな人に?

いつ聴いて欲しいか?

聴いた後、どんな効果を感じてほしいか?

・・・・など

 

「うーん、とりあえずできるだけ多くの人に聴いてもらいたいなぁ。あとCDも色んな人に売れると良いなぁ・・・。」

こんな考え方をしていると危険信号です。

「休日の午後にOLが紅茶を飲みながら窓辺で聴く音楽」くらいの具体性は最低限持ちたいところです。

 

複数のターゲットを持つことは必ずしも悪いことではありません。

その場合は、それぞれの層について、具体的に想像すると良いでしょう。

 

リスナー(お客様)のモデル

具体的に想像すると、自分の音楽を届けるべき人のモデルが浮かび上がると思います。

繰り返しになりますが、「こんな人にも届けたいし、でもあんな人にも聴いてもらいたいなぁ、あ、でも・・・」なんて焦点が定まらないような事にならないようにしましょうね。

モデルのイメージはバシッと決めます。

モデルは既存ファンの一人でも良いでしょうし、新たなファン層を手に入れたいのであれば、違う雰囲気のモデルを想像します。

僕は曲を作るとき(もしくはリリースするとき)、プレミアムサポーターのうちの一人を想像していることが多いです。

「この曲、〇〇さん好きそうだなぁ。こんな感じにしたら喜んでくれるかなぁ。」とか。

もちろん、路線をあえて外す時もあります。

 

ブレないこと

上で説明したような想像。

コンサート、CDアルバム単位で考えるのも大事ですし、時には曲単位で決めるのも良いでしょう。

この「想像する」という作業は、本当に重要です。

具体的な想像を怠らないことによって、ブレのない音楽活動ができるのです。

 

この人に自分の音楽を届けたい!

この人にはきっと届くはずだ!

 

そんなふうに信じるものがあれば、音楽も一本芯が通ったものとなります。

 

 

>>事務所に入らずに音楽で生計を立てるためにすべきこと(3)

 

事務所に入らずに音楽で生計を立てるためにすべきこと(1)

15年程前までは、音楽で生計を立てる、というと音楽事務所に入ることくらいしか道がないように思われました。

でも近頃は、事務所に入らずに個人でバンドを経営する方が増えてきていますね。

Question

でも、実際は、何から始めれば良いのかわからない、という方も多いと思います。

そんなバンドマンやクラシックの演奏家の方が、ご自身の音楽活動を考えるヒントになるよう、なるべくわかりやすく書かせていただきます。

 

まずは5つの〇〇を作ることから始めよう

事務所に入らないのであれば、事務所がするような仕事を自分ですれば良いのです。

といっても、何をすれば良いのかわからない、という方は多いと思います。

 

でも、大丈夫です。

実際に音楽でプロを目指している方の中でも、音楽で生計を立てることを具体的にイメージできていないというのは意外と珍しくありません。

 

まず、会社員経験がある方は、その会社(及び関連会社)の全体の仕組みをイメージしてみましょう。

経験がない方は、見聞きした会社像を想像しましょう。

 office

商品を売る会社の場合だと、まず商品を製造しますね。

これが製造(製作)部です。

 

そして、その商品を販売する人たちがいますね。

これが営業部です。

 

それから、もちろん、お金を管理する人たちがいます。

経理部ですね。

 

あと、忘れてはならないのが、新商品や広告・イベント、キャンペーン等の企画。

一般に人気のある企画部です。

 

最後に、会社の方針や重要な意思決定をする人たち。

役員会ですね。中長期の計画を立てたりします。

 

以上、細かいところを省くと、大体5つに分けられます。

 

さて、どの部門で何をするか、さっぱりわからないという方も、とりあえずフォルダを作りましょう!

(コンピュータを持っていない方は、ノートやファイルを用意しましょう!スマホだけでは先々厳しいですよ。)

わかりますね。作るフォルダは5つ

「制作部」「営業部」「経理部」「企画部」「中長期計画」です。

フォルダ

さて、これで職場が整いました。

 

次に具体的に〇〇する

まずは、部門ごとのフォルダを作ること。

ここまでは大丈夫ですか?

 

フォルダを作るということは、会社で言うと、各部門の部屋を設けて入り口に『企画部』などのプレートを掲げたことになります。

その中には、社員が5人程おり、奥の方で派手なネクタイをしたダテメガネの企画部長が「〇〇君、例の件はどうなってるの?」などと言っています。

 

一方で、向かい側の経理部のほうでは、アームカバー(古い?)をした社員さんたちが電卓を叩く音が響いています。

経理部長は、細身少々クセ毛近眼メガネですね。

 

余計な想像だと思いますか?

僕はこの具体的な想像こそが大事だと思っています。

 

後に説明しますが、部門毎に全く違うキャラクターを設定したほうが得策です。

そのため、あえて強烈なコントラストを設定しておくのです。

キャラクターの違う人物を用意して、脳内で会議させれば、色んな視点から分析したり、発案したりできます。

『一人で考えて堂々巡り』ではなく、効率の良い煮詰め方ができます。

 

フォルダを作って、空間と人物を想像すること

 

ここまでを1文でまとめると、以下のようになります。

 

“部門ごとにフォルダを作って、空間と人物を想像すること。”

 

シンプルですよね。

まずは、2時間くらい想像してみましょう。ここ大事ですからね。

次回は、具体的な仕事内容について、踏み込んでいきます。

 

>>事務所に入らずに音楽で生計を立てるためにすべきこと(2)

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