演奏中に失敗した・・・。

なんて経験は誰にでもありますよね。

もちろん僕も失敗します。

その度に考えるんです。

失敗したのはなぜか、と。

冷静に考えると、その多くの場合は、集中力不足によるものなんです。

集中力が足りないということ

「今日の晩ごはんは何にしようかな」等、演奏以外の事を考えていた場合は、もちろん集中力が足りなかったということになりますね。

実は、人前で緊張して上手く弾けない、というのも集中力不足の一種です。（※一部の特殊な場合を除きます）

それから「失敗したらどうしよう」と不安に思っている場合も、集中力が足りないと言えます。

とにかく、自分の頭を”今”の演奏だけに集中させなければなりません。

たとえ失敗しても、終わったことを考えるのではなく、今の演奏を最高の状態に仕上げることに専念しなければならないのです。

（※参照記事「後ろは決して振り返ってはいけない。」）

集中力を鍛える方法

・・・で、最近ある事に気づいたのです。

”練習で、集中力は養える ”

「何を今さら・・・」なんて声が聞こえてきそうです。

そのとおり、当たり前のことです。

ですが、もう少し具体的に考えてみましょう。

練習の時に集中していますか？

集中して練習したことが全くないという方はいないと思います。

では、具体的にどのように集中しているでしょうか。

３０分集中して５分休憩するという人もいるでしょうし、３分で一気に弾きこむという方もいらっしゃるかもしれません。

色んな練習があって良いと思います。

集中力の持続時間から逆算する

ここで着目したいのは、大事なときに集中力をどれくらい持続させたいか、ということ。

それによって、普段の練習時間を決めれば良いのです。

例えば、本番ステージの時間が１５分用意されているとすれば、余裕を見て１回あたり２０分以上の濃密な集中練習を積む必要があります。

本番が４０分の場合は、集中して練習する時間を毎回１時間以上作らないといけません。

ですが、最初は集中力を長時間持続させるのが難しいかもしれません。

その場合は、一回の集中練習時間を１０分、１５分、２０分・・・と回数を重ねる度に徐々に延ばしていくなどの工夫をすると良いでしょう。

ちょうどマラソンランナーがフルマラソンに向けて、10km、20kmと距離を延ばしていく事に似ています。

まとまった時間がとれない方へ

でも、そもそも練習にまとまった時間がとれない、という方もいるでしょう。

そういう方は、楽器を弾く事以外、例えば勉強や仕事、家事などで同じように集中する時間を作ればよいと思います。

勉強や仕事で養われた集中力は、楽器を弾くときにも使えます。

逆に、勉強や仕事をダラダラする癖がつくと、楽器を弾くときも集中力が欠ける傾向になるかもしれないので、気をつけましょう。

・・・というか、僕も気をつけなければ（笑）

今回は、表現力の違い、表現の幅の広さという演奏家の永遠のテーマについて、次元という考え方で整理してみました。

表現力を次元数で考えてみる（第一次元）

どんな天才でも、最初は単純な表現を習得することから始まるはずです。

一番単純な表現として、音の強弱があります。

演奏における表現力の次元の違いというのを考えてみました。例えば、まず、音量という次元があります。最初はpとfしかありませんが、上達とともにpp,p,mp,mf,f,ff,fffなど、次元軸上の幅が広がってきます。でもこれは飽くまで一次元での表現です。

— 石橋敬三 Keizo Ishibashi (@Kzo_Ishibashi) September 17, 2015

まずは、初心者が音の強弱という表現を手に入れたとします。

最初は、pとfという２つの表現しかできませんが、修練によりppからffまで、より多くの選択肢を持つようになります。

音の強弱という一つの次元の上で、多くの表現ができるようになるのです。

ここでは、pp/p/mp/mf/f/ffという６種類の表現ができるようになった、とします。

複数の次元を手に入れる

次に、もう一つ、次元を手に入れましょう。

次に、音色(音の硬さ)という次元を手に入れたとします。これで2次元です。この二つ目の軸においても、初めは、普通・柔らかい・硬いしか選択肢がありませんが、上達するともっと再現ポイントが増えます。

— 石橋敬三 Keizo Ishibashi (@Kzo_Ishibashi) September 17, 2015

例えば、絃楽器は弦を弾く（擦る）位置によって音色が変わります。

単純化しても、硬い/普通/柔かいという３種類の表現が加わります。

第一次元（音の強弱）で得られた６種類と組み合わせると、１８種類の表現が可能となります。

次元を一つ増やすだけで、表現の幅は倍以上になるのです。

表現の次元を超える

３つ目の次元を手に入れると、さらに倍以上の選択肢が得られます。

例えば、アポヤンド/アルアイレの技術を手に入れたら、表現の選択肢は３６種類以上になります。

そして、４つめ以降の次元を得ることができれば、選択肢は無限に拡大します。

そして、さらにもう一つの次元、例えばアポヤンド/アルアイレなどの表現を手に入れれば、これで晴れて３次元の表現になります。
でもこれでゴールじゃない。
表現の旅は四次元以降も続きます。
これが敢えてめんどくさく説明した『表現力の次元』なんだと思います。

— 石橋敬三 Keizo Ishibashi (@Kzo_Ishibashi) September 17, 2015

さぁ、まずは新しい次元を探す旅に出ましょう。

新次元を見つけることができたら、次はそれを自分のモノにするまで、研究する段階です。

あなたにとって、４つ目の次元は何でしょうか？

５つ目は？ 

旅は永遠です。

・・・だから面白い。

※ここでは『単発の音における表現』について、簡略化して言及しています。楽曲の流れの中での表現については、別の考え方が必要です。

「すみません、今日は調子が悪いんです。」

何かを始める前に、こう言ってしまった経験はありませんでしょうか。

僕も過去に何回もあります。

また、それ以上に他人からそういう発言を聞いてきました。

勉強時間のマジック

物心がついてから、始めて同様の発言を聞いたのは、中学生の頃でしょうか。

同級生のS君がテスト前に言うんです。

『今日の世界史の勉強、３０分しかしてないから絶対赤点だろうなー』

僕は、前日に3時間勉強しましたが、準備は全く不十分だと思っていました。

でも彼はその6分の1しか勉強していません。

そして、気になるテストの結果は以下のとおりでした。

僕の点数：60点

S君の点数：85点

どこが赤点なんでしょうか・・・。

事前の発言とは裏腹に、実際にはS君は普段よりも良い成績を取ったのです。

僕はすごく驚きました。

なにせ、僕のS君に期待する点数は６０点以下だったわけですから。

ひょっとすると、「絶対赤点」発言を聞いていなかったら、それほど驚かなかったかもしれません。

S君は、本当に３０分しか勉強していなくて、偶然良い点数がとれたのでしょうか。

それとも、実は３０分と言いながら、本当は６時間くらい勉強していたのでしょうか。

本気で「絶対赤点だろう」と思っていたのでしょうか。

おそらく彼は、周囲からの期待値ばかりでなく、自分自身に対する自らの期待値を下げておきたかったのでしょう。

そうすることで、心理的に楽な状態でテストに取り組めると思ったのでしょう。

だとすると、彼の作戦は大成功です。

おそらく自分も満足の点数だったでしょうし、僕を驚かせる事にも成功したわけです。

してやられた。よし、僕も次からこの作戦でいこう。

当時は正直、彼の作戦は万能のように思っていました。

でも・・・、

大人になった今、この作戦が功を奏する場面は、極めて少ないことを実感しています。

演奏前の「今日は調子がわるい」発言

「今日は調子わるいんだよねー」「ほとんど練習していません」と言いながらパフォーマンスを始める場面をよく見かけます。

この発言の目的は、先ほどのS君の場合と同じだと思います。

【  調子わるい発言の目的  】

①自分のパフォーマンスに対する周囲の期待値を、あらかじめ下げておきたい

期待値を下げておく事で、実際のパフォーマンスが期待値を上回る確率が高まります。

②良いパフォーマンスが出来なかった時のために、弁解要素を確保しておきたい

期待値を下回った場合、「今日はたまたま調子がわるかったんだな」と思ってもらえるかもしれません。

これにより、気持ちを楽にして演奏ができるかもしれません。

でも、それはあくまで自分にとってのメリットです。

この作戦をとった場合、目の前のお客さん（または共演者）にメリットは、あるのでしょうか。

『調子がわるい』発言をしないほうが良い理由

結果からいうと、『調子がわるい』発言はしないほうが良いと思います。

答えは単純、お客さんにとって良い事がひとつもないからです。

『うちのコーヒーは一杯300円です。ちょっと今機械の調子がわるくて味は落ちるかもしれませんが、どうぞお楽しみください。』

メニューにこんな事が書かれていると、 美味しく飲めたかもしれないコーヒーもおいしくなくなりますよね。

調子がわるいかどうかなんてどうでもよい

はっきり言って、パフォーマーの調子がわるいかどうかなんて、お客さんには関係のない話です。

お客さんは、お客さんにとっての良い音楽をもとめてきてくれているのです。

期待値を下げるような発言をされると、その時点で、がっかりしてしまうかもしれません。

良かったかどうかはお客さんが決めること

現場で一番大事なのは、お客さんの満足度です。

下の表をご覧下さい。

パフォーマーの振る舞いと演奏の客観的な出来が、お客さんの満足度に与える影響を表にしてみました。

（※）基本的には満足だが、「調子の良い時に聞きたかった」という若干の不満が残る可能性がある。
また、『調子がわるい』発言のせいで、ひょっとして今日の演奏は良いものでは無かったのだろうか、という疑念を持つ可能性がある。

あらかじめ、「今日の演奏はよくないかもしれない」というイメージを持たれるような発言をすると、良い演奏ができたとしても満足していただけない可能性が残ります。

良かったかどうかはお客さんが判断するものです。

お客さんからの立場にたつと、パフォーマーの『調子がわるい』発言にメリットがないことがわかると思います。

また、パフォーマー側からみても、「今日は調子がわるい」という、本分には関係のない言い訳を提示してしまうことで、演奏に妥協が表れたり、集中力が欠けたりする可能性も高くなります。

中学生のテスト前論争は実際の社会で通用しない

『調子がわるい』と言ってはいけない理由、ご理解いただけましたでしょうか。

中学生のテストのように、自分のパフォーマンスの出来が、他人の便益に影響がない場合は、万能だったS君の作戦。

実際の社会では、使いどころがほとんど無いのです。

自分のコンディションがよくないことを相手に伝えたくなることはよくあります。

しかし、それを伝える事による相手の心境の変化を考えてみると、言わない方がよい場面のほうが多いのではないでしょうか。

目の前におかれた状況に対して、全力で立ち向かうのみです。

失敗しない事が最善の道です。

だから失敗しないために事前の準備をしっかりする事が大切です。

でも、現実は失敗しない人なんていません。

失敗は成功の母。

自分の行動を振り返って失敗の原因を追求する。

成功をつかみ取るためには、誰しもが通らなければならない道です。

成長を志す人にとって、反省・過去の分析は当たり前の事です。

でも、仮に『それを決して実践してはいけない場面がある』なんて言い出したらどう思いますか？

後ろを振り返ってはいけない。

先日、以下のお悩みを読者の方から頂きました。

「ちょっとでも間違ったら、そこが気になって演奏を止めてしまうんです。合奏だけでなくソロの時にもそうなってしまいます。」

非常によくわかります。

納得がいかないところは、弾き直したいですよね。

でも、この「納得がいかない」という状況が続くということ・・・。

それはつまり「目の前の音符を弾く事に集中できていない」という事なのです。

本当であれば、集中力の切れた状況で弾き続けるのはリスクが大きいので、すぐにでも弾くのをやめたいところです。

あるいは、同じようなフレーズが複数出てくる曲の場合は、「さっきはなぜ失敗したのか」と振り返ることで、次の成功率をあげることができるかもしれません。

でも、これは他の人がカバーしてくれる、合奏の場合です。

一方、ソロの場合は、この手は使えません。

どんな状況でも、例え納得のいかない部分があろうが、停電しようが、弾き続けなければなりません。

「後ろ」を振り返ってはいけないのです。

時間は逆にはもどりません。

目の前で聴いてくれている人は「次の音」を待っています。

ソロの演奏者はその「次の音」で最高のパフォーマンスをすることが求められています。

頭の半分で後ろを振り返っていては、次の瞬間に良い演奏をすることは難しいです。

意識を切り替える

過去を分析することと、後悔、くよくよすることは全く違います。

失敗後の意識の切り替えの重要性は、音楽以外の分野にも共通することです。

例えば、多くのスポーツは強い精神力が求められます。

野球の投手も、メンタル面が成績に大きく影響を与えますね。

ピッチャーが、ホームランを打たれたとします。

でも、次のバッターは、先ほどホームランを打ったバッターとは違う人物です。

次のバッターが打席に立ったからには、前のホームランの事を考えてもあまり意味がありません。

ピンチを広げないために、ピッチャーは意識を切り替えなければなりません。

メンタルスイッチといわれるものです。

スイッチというより、リセットといったほうが良いでしょうか。

高ぶった精神を落ち着かせ、集中力を発揮できる状態をつくるのです。

大事なのは目の前の事に集中する、ということです。

演奏の話に戻ります。

僕の場合、自分の演奏で納得のいかない部分があったとしても、次の方法で意識を切り替えます。

まずはお客さんの立場で考えます。

『お客さんは熱心に次の音を期待してくれている。そんな状況で後ろなんて振り返っていられない。』

また、現実主義型ポジティブ人間の僕はこう考えます。

『失敗したという事よりも、次のフレーズに集中できないことのほうがリスクが大きい。だから今は振り返らない。』

大体の場面では、この二つの思考によって、振り返りを回避できます。

もちろん、演奏が完全に終了したら、たっぷり振り返ってより良い演奏をめざします。

自分自身、いつもいつも100%実践できているわけがないですが、忘備録のためにも記事にしました。

参考にしていただければ幸いです。

先日、読者の方からこんなお便りを頂きました。

Q .

こんにちは。私は今度、クラブの発表会で独奏をすることになりました。

その演奏会は一日かけて行い、私が演奏するのはその長い時間の本当に数分です。

部員の中には楽しみにしてくれている人もいますが、そうじゃない人もいるかもしれません。

聞きたくない人に無理矢理、演奏を聞かせるのは不本意に思います。

でも、「演奏を聞きたくないなら聞かなければいい」という風に考えるのも違う気がします。

そもそも演奏をする意義は何なのでしょうか。

単に「自分を表現する」というのはあまりに一方的過ぎる気がします。

Kzoさんの考えをお聞かせください。

よろしくお願いいたします。

（質問者様の了承を得た上で掲載させていただいています。）

何のために演奏するのか

誰のために演奏するのか。

自分のためなのか、人のためなのか。

本当に自分の演奏は、必要とされているのか。

このような悩みや疑問を、漠然と抱えている人は多いと思います。

僕自身も、学生の頃から考えていました。

しかし、本当の意味で考え出したのは最近かもしれません。

１０年後は違う考えになっているかもしれませんが、今の考えを質問者Aさんに回答させていただきました。

以下、回答の抜粋です。

※ここでの意見はあくまで個人的なものです。他の考え方を排除するものではありません。

自分自身と向き合った経験・結果が音楽のスパイスになる

A .

演奏をする意義は何か・・・。

これはとても深い問題ですね。

『聴きたい人もいるし、聞きたくない人もいるかもしれない。』

この事について本気で僕が考え出したのは、恥ずかしながら最近です。

ニューヨークにいるときです。

地下鉄構内で演奏してると、前のケーキ屋のお兄さんがやってきて僕にこういったんです。

「その曲は、僕の友人の葬式で演奏された曲なんだ。すまないが今は弾かないでもらえないだろうか。」

この出来事は衝撃でした。



音楽が人を喜ばせることはあっても、人を傷つける事はないだろう、と思っていたからです。

自分の想像力の無さを痛感しました。

この時の話をするとよく次の事を言われます。

「想像力があったとしても、そんなことは避けられないじゃないか。考えすぎだよ。」

でも、問題はそこ（結果）じゃない。

音楽を演奏する人として、音楽の源である自分の心の問題なのです。



音楽は人の内側が自然に滲み出ます。

音楽を奏でる人は、自分と向き合った分だけ、人を動かすと思っています。

自分の演奏は、飽くまで、今まで自己と向き合った結果です。

自己表現欲のみで表面をつくろっただけの音楽は、やはり薄くもろいものになります。

一方、単純に良い音楽をつくるため、内側で熟成させた場合は、技術以上に人の心を打ちます。

聞きたくない人もいるかもしれませんが、聴きたい人もきっといます。

聴きたい人がいるのであれば、その人達に自分の内側を見ていただく。

そこに力を集中して注ぐべきだと思います。





ここで、ちょっと陳腐な分析に戻りますが、この状況は「おつきあいのカラオケ」に似ているかもしれませんね。

自分が歌うのはいいが、人の演奏はあまり聞きたくない。

でも人の演奏を聞かないと、自分の歌も聞いてくれない。

だから聞く。

（※全てのカラオケがこれに当てはまるわけではありません。）

でも決定的に違う点があります。



おつきあいのカラオケは、ネガティブに捉えたとすれば、ストレスの発散の場です。

しかし、部内発表会はどうでしょう？

人前でソロで演奏する、という機会を設けることで、未来のコンサートマスターや能力の高い奏者を育てる、という立派な意義があります。

将来のためにも、そんな大切な機会は守らねばなりません。

Aさんが演奏するのには、そういう意義もあると考えてください。

聴きたい人が一人でもいるのなら、その人のために心をこめて演奏しましょう。

聴きたいと思ってくれている人に対する礼儀です。

成長したいのならアンテナを広く張るべきだ。

このような台詞をよく聞きます。

積極的にいろんな情報・体験を取り入れることで、新しい発見が得られる可能性が高くなる、というものですね。

僕自身、小さい頃に親や先生から言われたこともあります。

また、他人との話の中で自分でも口にしたことがあると思います。

でも、最近思うのですが、この言葉には足りない部分があると思うのです。

確かにアンテナを広く張ることは大事です。

でも、情報を取り込むだけでは、外部への効果が生まれません。

手に入れた情報や体験を元に、何かを産み出したり、意識して何かに活かしていかなければなりません。

「インプットとアウトプットのバランスが大事」という事にも繋がる話ですね。

興味を持つだけでは足りないのではないか。

色んなことに興味を持つ事はすばらしいことだと思います。

でも、せっかく興味を持つのなら、何かに活かしたいですね。

ひょっとしたら全く関係のない事に応用できるかもしれません。

例えば、僕は先日「文具BAR」という面白い企画に参加させていただきました。

小さな頃から誰の身の回りにも存在する文具というものが、BARという大人の社交場とコラボレーション。

その結果、期待以上の化学反応が起きたわけです。

このコラボ自体は僕の音楽活動とは直接関係のない話ですが、企画の手法として学ぶ事がたくさんありました。

僕は現場にいながらにして「この企画アイデアをマンドリンに応用すれば・・・」と考えていました。

しかし、こんな創造的な企画も、学生時代に体験していたとすれば、「あぁなんだか面白いイベントだなぁ」だけで終わっていたかもしれません。

当時の僕には、その本質を抜き出して他の事に応用する意識がなかったからです。

アンテナ感度より代入力！

面白いものを見て体験することは、行動力と時間さえあればいくらでもできます。

でも、せっかく興味深い体験をしたのであれば、ただ外から見るだけではなく、その本質を自分のフィールドに持ち帰って試してみたいものです。

ジャンルが全く違うものでも、意外と本質は同じだったりします。

『本質を見抜いて自分のフィールドに代入する力』こそが、アウトプットの鍵ではないかと思います。

アンテナ感度も大事ですが、僕なんかは情報量が多すぎると頭がパンクします。

無理をして関心を持とうとしても、そこで湧き出る興味も、その質も大したものにはならないことが多いと思います。

それよりも、限られた質の高いチャンスを逃さずに、その本質を捉えて吸収・実践したいと思います。

さて、次は何をしようか。